En la adaptación de Molière se plantea un mundo de seres perdidos entre la sombra y el desconcierto, reflejando la sociedad de la época. Jorge Lavelli, quien ya ha acudido en dos ocasiones al Festival de Mérida (la primera con Edipo Rey de Sófocles) reconoce haber preparado “con amor y dedicación” este montaje teatral que ya cumple casi cien representaciones. Además, reconoce que El Avaro “abre numerosas posibilidades de interpretación”. “Es una versión simple, neutral y no imita el estilo ni el proceso de la escritura barroca”.

La obra plantea, de manera desternillante y cómica, conflictos esenciales como la dominación del padre de familia, del hombre sobre la mujer y del conflicto paterno-filial al que se enfrentan los protagonistas. Juan Luís Galiardo durante la rueda de prensa ha reconocido que es “la obra más desternillante y que más risas ha recibido” con más de cien mil espectadores durante las representaciones en toda España. “Es la estadística más hermosa que he tenido nunca” confesó el protagonista. En palabras del mismo, Lavelli no permite que el aburrimiento aparezca en la hora cuarenta de la representación.

El resultado es el impacto de toda la pedagogía social que hace la obra de la sociedad “Si los políticos pudieran divertir más y aburrir menos, otro gallo cantaría” bromeaba Galiardo. La obra promete ser uno de los espectáculos “más divertidos y mágicos” que han pasado por el Festival. Además, como comentó el protagonista, el humor es la consigna.

El Avaro podrá verse del 25 al 29 de Agosto en el Teatro Romano de Mérida a las 23.00h.

Electra, hija bastarda y huérfana crece en un convento de Francia bajo la sombra del recuerdo de su madre, de pasado oscuro y libertino. Se traslada a Madrid para vivir con sus tíos. El problema empieza cuando varios hombres, relacionados anteriormente con la madre de la joven, pretenden influir en su destino.

El debate sobre la libertad de conciencia que generó influyó en la crisis política del momento e incluso en el Gabinete ministerial de Sagasta.  Su reemplazo, fue llamado Gabinete Electra.

Completan este re­parto de lujo Miguel Hermoso Arnao, Ma­­ru Valdivielso, Sergio Otegui, Antonio Va­­le­ro, Pep Molina, Che­ma Muñoz, Luisfer Rodríguez, José Conde, Isabel Prinz, Irma Correa,  An­tonio Requena y Mari Carmen Sán­chez.

La versión que Ferrán Madico hace de la obra de Galdós complementa con una visión contemporánea a la original. “Es una visión contemporánea pero los personajes habitan en su época”. La visión política de la sociedad y la lucha dialéctica encuentran su origen en las tragedias griegas, de ahí a llevarla a un grecolatino como es el Festival de Mérida. Además en palabras de su director, Paco Suárez, el elenco de actores da “un nivel artístico muy alto al Festival.

Temas tan actuales como la independencia, enmacipación de la mujer o incluso la religión tienen cabida en este espectáculo que se representará desde los días 19 al 22 de Agosto. “Queremos que los espectadores se planteen cuando salgan su propia identidad política o religiosa”, señaló Miguel Hermoso.

Con cinco minutos de aplausos el público puso de manifiesto que la fusión de danza, teatro y música de Calígula había funcionado.

Un total de 12 actores encabezados por Sandro Cordero en el papel del emperador, una apasionada Cesonia interpretada por Garbiñe Insausti y ágil Gorsy Edú en el papel de Helicón pusieron cara a esta obra dirigida por Santiago Sánchez.

La puesta en escena atemporal y moderna de Calígula consiguió conectar con el público más joven, y satisfacer a la vez al público clásico respetando la obra de Camus.

El director reconoció que las grandes dimensiones del Teatro han actuado “a favor de la obra”, haciéndola “más operística y ganando distancias” evitando caer así en una falsa intimidad a la que están acostumbrados en otros lugares.

Implacable la actuación de Sandro Cordero en el papel del imponente Calígula enfrentando al público a conflictos esenciales como la lucha entre la libertad y la justicia, la problemática del poder, el crecimiento o la madurez. Durante la rueda de prensa el protagonista reconoció que “Calígula es un personaje tan grande que pretender abarcarlo el primer día es un suicidio, hay que prepararlo poco a poco”.

Calígula estará en el Festival de Mérida hasta el día 15 de Agosto. Las entradas pueden comprarse en las taquillas de la Plaza Margarita Xirgú o vía web en www.entradas.com

Calígula cuenta la historia del emperador romano, que tras la muerte de su hermana Drusile, con quien mantenía una relación incestuosa, cae en la locura, volviéndose un déspota y sanguinario emperador.

Un total de 12 actores y músicos darán vida a la obra de Camus del 11 al 15 de Agosto.

Santiago Sánchez ha explicado, en rueda de prensa, que es un “colofón”, después de más de 115 representaciones en teatros de toda España, “llegar a Mérida”; un hecho “muy importante” que “va a marcar” el año 2010 en la trayectoria la compañía, que cumplió la pasada temporada su 25 aniversario.

El montaje de L’Om Imprebís, que en el año 2000 recibió el Premio de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana, está “abierto a la mezcla de energías, de ritmo y de formas de entender la vida de tres continentes”, con un trabajo de “seriedad y rigor, de cuidado de la producción y rigor a la hora de representarlo”, ha dicho su director.

Con más de 5000 entradas vendidas –hasta el momento- esta producción valenciana tiene grandes expectativas en el Teatro Romano.

La obra, escrita por Albert Camus cuenta la historia del emperador romano Calígula. Éste, que mantenía una relación incestuosa con su hermana Drusila, sufre tanto tras la muerte de la joven, que cae en una profunda depresión, volviéndose un tirano y déspota emperador.

Tras el éxito de taquilla de Lisístrata en el Teatro Romano de Mérida y de Edipo en el Teatro de Regina, la versión de Santiago Sánchez promete “estar a la altura”, tras 100 representaciones y más de un millón de espectadores en todo el mundo. “Hemos llegado a más de 18 países con la compañía”

A pesar de su propuesta para el año pasado, el director de la obra, Santiago Sánchez reconoce que la obra está en “plena madurez” y lista para representarse en el Teatro Romano de Mérida, pudiendo aprovechar la ocasión para representarla en el Teatro Lope de Vega de Sevilla.

La obra está protagonizada por el actor Sandro Cordero en el papel de Calígula, Garbiñe Insausti y Juan José Rodríguez. L’om imprebís se consolida como compañía con vocación claramente internacional, reuniendo artistas de Valencia, Madrid, Cantabria pero también de Guinea Ecuatorial, Argentina o Cuba. “Somos como las Naciones Unidas”, bromea el actor Sandro Cordero.

La obra, que ha sido representada en el Teatro Romano en más de cinco ocasiones presenta un reparto de 12 actores y músicos en directo que dan una línea de coherencia y que garantizan rigor y cuidado en el tratamiento artístico de la obra.

“Representar en Calígula en el Teatro Romano de Mérida da sentido al actor que encarna al papel. Reconozco que es imponente, pero hay que saber escuchar el espacio”. Con estas palabras el protagonista reconoció  la majestuosidad del teatro y la satisfacción de interpretar el papel de Calígula en el Festival de Mérida.

‘Lisístrata’ no sólo ha superado el número total de espectadores, con una media diaria de 2.934 asistentes, lo que supone una media de ocupación diaria del 96 por ciento, sino que también” atesora el ser el espectáculo que ha registrado mejores números el día de su estreno, alcanzando un lleno técnico, con 2.750 espectadores”.

Durante  ocho días las taquillas tuvieron que colgar el cartel de entradas agotadas arrebatando a “Miles Gloriosus” el lugar, quien hasta ahora obtenía el primer puesto desde su representación en 2008.

Estas cifras vuelven a poner de manifiesto el entusiasmo del público por las obras y producciones del Festival y lo superan, si cabe, en esta 56 edición.

Dirigida por Jèrôme Savary, esta versión tan alocada y divertida promete al público que pueda verlo (Quedan pocas entradas para el estreno y ninguna para el Sábado) risas durante toda la obra y una propuesta muy divertida para las noches de verano de Mérida.

Desde el 29 y hasta el día 1 y desde el 3 hasta el día 8 se podrá disfrutar de esta comedia griega protagonizada por el carismático Paco León que hará el papel de Lisístrata.

Lisístrata cuenta la historia de unas mujeres, que, hartas de que sus maridos las abandonen y acudan a luchar a las guerras, les harán la guerra a sus maridos con una huelga de sexo hasta que firmen la paz.

La adaptación de Savary, dice, habla de sexo pero sin “caer en la vulgaridad” además reconoce es apta para todos los públicos, de hecho no se mostrará ningún sexo durante el espectáculo. La insinuación y la mezcla de humor y reivindicación de la obra hacen de ella un cóctel molotov de “anarquía y expresividad muy recurrida” en palabras del director del festival, Francisco Suárez.

La obra convertirá la escena del teatro en una “fiesta” y en un “alegato en contra de la guerra”. Será una obra en la que “mujeres y hombres de todos los géneros” hablarán del “no a la guerra” bajo el trabajo de un equipo compuesto casi por un centenar de profesionales, entre los que destaca la banda municipal de Mérida y cuatro actrices transexuales.

En la presentación del montaje, que se representará del 29 de julio al 1 de agosto y del 3 al 8 de agosto, su director ha destacado que se trata de una obra feminista de una abierta sexualidad, pero sin caer en la vulgaridad. No es la primera vez que durante este festival los actores dan vida a personajes del sexo opuesto, ya que, en las dos anteriores obras, Carme Elías interpretó a Prometeo y cinco mujeres pusieron en escena la “Ilíada”.

En la obra del comediógrafo griego, las mujeres deciden emprender una huelga de sexo para conseguir la paz, en una mezcla de “humor y poesía” que durante una hora y media convierten la escena en una auténtica “fiesta”, según ha explicado.

El popular “Luisma” de la serie “Aida” o la “Raquel Revuelta” de “Hommo Zapping” está “encantado” con su nuevo papel, al que quiere “dar volumen” para destacar el importante “lado político” que tiene esta historia sobre la rebelión de unas mujeres decididas a expulsar de sus camas a sus maridos hasta que no dejen de guerrear. “Lisístrata es un personaje bastante masculino en el sentido de su determinación y carisma para arrastrar a tanta gente”, explicaba el actor.

A su juicio, el montaje es “explícitamente muy sexual”, aunque ha destacado la “falta de prejuicio” de Savary al tratar el tema y “su forma de ver la vida a través de los placeres más mundanos y primarios”.

Para el director del Festival, Francisco Suárez, la obra es “un cóctel molotov de anarquía y expresividad muy recurrida”, puro estilo Savary, al que con los años encuentra “más clásico y reconducido”. El director de la obra confesó que era “difícil montar Lisístrata sin caer en la vulgaridad”, pero asegura que es para todos los públicos no y que no mostrará “ningún sexo”.

Los días 23,24 y 25 de julio el Festival de Mérida trae Prometeo (imagenes), versión del escritor y dramaturgo alemán, Heiner Müller. Fue uno de los autores más importantes y más comprometidos del siglo XX, hace una traducción tan totalmente fiel del Esquilo griego, “No toca nada del original, deja todas las contradicciones”, comenta  Carme Portaceli que finalmente la ha convertido en una versión llena de contradicciones, de miedos , de soberbia…de todos los sentimientos que sufrimos los humanos.

Protagonizada por la conocida Carme Elías y dirigida por Carme Portacelli cuanto más avanza la obra más arrogante y presuntuoso se revela Prometeo, que pagó castigo eterno por robar el fuego y dárselo a los mortales. “Con esta obra, me siento muy cerca de todos los seres que están siendo torturados”, confesó la actriz.

Zeus, el tirano, que acaba de subir al poder quiere volver a convertir a los humanos en una especie de animales.

La propia Carme Portaceli firma junto a Pablo Ley la dramaturgia de esta función que es, dice la directora, «la historia de la rebelión que siempre ha sido marginada o apartada». “Al nuevo Prometeo no se le ata a una roca, pero si simbólicamente. Se le silencia, se le descalifica. Muchas veces desde la prensa, ese cuarto poder. Yo creo que Prometeo somos todos y también la lucha sobre una cosa establecida” explicaba Carme.

No deja de sorprender que el papel del joven Prometeo lo interprete una mujer, pero Carme Portacelli siempre responde, “¿Y por qué, no?”. Para la directora el mito de la lucha contra el poder establecido no tiene sexo. “Hoy en día, es un mundo tanto de hombres como de mujeres, y en este caso, el mito es una mujer”.

Tanto la directora, como la actriz  y el escenógrafo, Paco Azorín, confesaron la su admiración por el Festival y por la magnificiencia del emblemático Teatro Romano de Mérida. “Es algo especial venir a Mérida. Es el referente del teatro, la civilización y la cultura”. El escenógrafo explicó que intentaría mantener en “equilibrio” el respeto por la tradición y por la “piedra milenaria” a la vez la satisfacción del público más contemporáneo.

Con un ejercicio continuo, o como explicó una de las actrices, de gimnasia teatral, consiguen interpretar desde la avergonzada Helena hasta el bárbaro y sanguinario Aquiles. “Hay que estar  muy concentrada para salir y entrar de los personajes, pero es una gran satisfacción para una actriz”, comentaba Mercé Arànega.

Sobre una voz que en off que enumeraba a soldados caídos en la batalla, las actrices narraron las principales cruzadas de la obra de Homero. El sufrimiento, la angustia pero también el honor y la fuerza, la ira y la venganza fueron fijadas en el cuerpo de estas cinco mujeres. La obra también incluyó momentos de comicidad que dieron un punto y aparte a los sentimientos más terribles. Uno de los momentos cómicos, protagonizados por los soldados en sus campamentos tuvo lugar cuando parte del ejército de Agamenón, entre los que se encontraba el astuto Ulises, intenta convencer a Aquiles, a modo de musical, que vuelva al combate ante el avance de los troyanos.

Participar en una guerra puede convertir a un hombre en un héroe pero tras esa hazaña, siempre se esconde una mujer que espera, un hijo huérfano que querrá ir a la guerra para vengar la muerte del padre, y en definitiva, un mar de lágrimas saladas, que se secan con el paso del tiempo, y dejan enterrada la historia de originó tal horrendo final. Una historia de la que el ser humano no parece aprender después de tantos años. “En el fondo es una historia actual, estamos en tiempos de guerras, hay conflictos en muchos lugares del mundo, territorios ocupados como la ciudad de Troya”.

La obra se ve a través de los ojos de unas mujeres que examinan la guerra con claridad para intentar entenderla de otra manera, para intentar encontrar los motivos. Estas mujeres no son víctimas, se esfuerzan y se comprometen para llegar a una solución.

La historia, ya conocida, nunca había sido representada en el Teatro Romano de Mérida. La adaptación de Alessandro Baricco de la Ilíada es muy violenta y masculina, sin duda, la interpretación de cinco mujeres sobre un texto como ese, es una apuesta arriesgada pero a la vez muy original. Bajo la dirección de Tom Bentley-Fisher, estas cinco mujeres consiguieron provocar diferentes y entusiastas reacciones en el público emeritense.

La Ilíada vuelve hoy, 21 de julio, al escenario del Teatro Romano para todos los que no pudieron disfrutarla ayer.

Aprovechando el centenario de la conmemoración arqueológica de Mérida, el Festival presenta su primera obra teatral de la esencia grecolatina que caracteriza esta edición.

Homero, Ilíada, es la versión del escrito italiano Alessandro Baricoo, que condensa en 187 páginas el largo poema griego. Baricco escribió este texto para ser leído públicamente. De esta manera, y según el autor, buscaba recuperar la emoción que debieron sentir los griegos al escucharla. Su adaptación literaria trajo consigo numerosos cambios, entre ellos la eliminación de los dioses para hacer “unicamente protagonistas a los hombres”, eliminación y adaptación de los fragmentos arcaicos “porque eran ilegibles” y la inclusión de aportaciones personales.

Su director, Tom Bentley-Fisher confiesa haber seguido “al pie de la letra” el texto original de Alessandro Baricco, con un elemento diferenciador: sus protagonistas. En esta edición teatral, las protagonistas principales de la guerra serán las mujeres descubriendo así, “una nueva perspectiva” según explicó el director canadiense.  El texto de Baricco hacía una “exaltación de la masculinidad y la violencia. Nosotros queremos resaltar el dolor, el sufrimiento de las mujeres durante una guerra. No pretendemos buscar soluciones, pero sí, descubrir el papel de las mujeres en esta guerra.”

La nueva visión de la Ilíada estará protagonizada por Mercè Anglès, Ana Güell y  la reciente galardonada, Merce Arànega (Premio Nacional de Teatro) que actualmente producen para la compañía Q-Ars Teatre.  Además, reconocen haber hecho un gran trabajo de documentación para reconstruir los clásicos griegos, presentando próximamente la tragedia griega de Sófocles, Electra.

“La Ilíada cuenta historias de hoy y de ayer, siempre es actual. Estamos en tiempos de guerras, hay conflictos en muchos lugares del  mundo”. La obra se ve a través de los ojos de unas mujeres que examinan la guerra con claridad para intentar entenderla otra manera, para intentar encontrar los motivos. “Estas mujeres no son víctimas, sino que se esfuerzan por llegar a una solución. “, comenta su director.

La obra podrá verse en el Teatro Romano de Mérida, los próximos días 20 y 21 de julio a las 23.00 horas.

 Alessandro Baricco nació en 1958 en la localidad piamontesa de Turín. Es licenciado en Filosofía, novelista, dramaturgo y periodista. Además dirige un programa de libros y una escuela de técnicas literarias.

 El escritor italiano, poco amigo de la fama, logró el éxito y el reconocimiento internacional en el año 1996 con la novela “Seda”. Fue traducida a diecisiete idiomas y tiene un total de 700.000 ejemplares vendidos. Seda es una novela corta, ambientada en el Japón del S.XIX que cuenta la historia de un vendedor de gusanos de seda que cambiará su vida a raiz de una transacción comercial en Japón.

El escritor y ensayista peruano, Mario Vargas Llosa, califica la novela de sutil y lacónica, con un lenguaje breve, conciso, sugerente, casi a la manera de una antigua fábula oriental.

 Otro de sus grandes éxitos han sido Tierras de cristal (Premio Médicis, 1991), Océano mar (Premio Viareggio, 1993), City (1999), Sin sangre (2003) o Los Bárbaros (2008); del monólogo teatral Novecento (1994) y de los ensayos, Rossini Il genio in fuga y El alma de Hegel y las vacas de Wisconsin.

 Alessandro Baricco también trabajó en la televisión en programas como “L’amore è un dardo” dedicado a la lírica; colaboraciones en música con el dúo francés Air; y en el cine donde dirigió su opera prima Lezione 21.

 En el año 2004, publica la novela Homero, Iliada. Baricco reescribe el texto de Homero pero con algunas modificaciones. Una de las principales será su adaptación a la lectura pública que tuvo un gran éxtito en Roma y Turín, donde unas diez mil personas acudieron a oírlo, además de ser retransmitido en directo por la radio. De esta manera, y según explicó el autor, buscaba recuperar la emoción que debieron sentir los griegos cuando la escuchaban. Entre otros cambios, ha hecho desaparecer a los dioses, ha purgado los fragmentos arcaicos y ha incluido aportaciones personales.

 “La Ilíada es esencialmente una historia de guerra y uno de sus propósitos es cantarla, glorificarla” reconoció su adaptador teatral, Tom Bentley-Fisher. La producción que se presenta en Mérida procede de Barcelona, está interpretada por Mercé Anglés, Mercè Arenaga, Ana Güell, Muguet Franc y Angel Sánchez.

Eva Yerbabuena ha presentado esta mañana Lluvia (imagenes), la actuación que se encargará de la apertura de la 56 edición del Festival.

Aunque se mostró angustiada en primer momento por la caída de la obra Medea 2, reconoce estar muy agradecida al Festival por recurrir a su compañía de manera tan inmediata para la sustitución de la obra. “Ha sido siempre un sueño bailar en este marco y poder transmitir ese mensaje que encierra Lluvia” confiesa la artista. También calificó la actuación en el Festival de Mérida como un reto. “Tiene unas coreografías complicadas, pero me gusta lo difícil”.

El director del festival, Francisco Suárez pensó en Lluvia porque guardaba una estrecha relación con el tema de la 56 edición del Festival, el agua.

En palabras de la artista, Lluvia, es un canto al desamor, a la menlacolía y a la incomunicación. Además ha explicado que en “Lluvia” pretende hablar de la feminidad, de los grandes mitos históricos de “mujeres que han dado mucho ruido”, pero también “de esas que siguen viviendo hoy como en su día lo hicieron Medea o Carmen”.

“Lluvia” trata no sólo las historias de aquellas cuyas historias aparecen en un libro, sino también las experiencias cotidianas de mujeres de hoy que hablan de temas universales y clásicos, según la bailaora.

A pesar de que la obra fue inicialmente estrenada en enero de 2009 la bailaora comentó “siempre hay lugar para la improvisación, no hay dos espectáculos de Lluvia iguales”.

Actualmente la artista prepara otro espectáculo que estrenará el día 5 de Octubre y a pesar de su experiencia en los escenarios se confiesa aún una aprendiz, “con ganas de enriquecerse cada día, a todos los niveles”.

El Festival de Mérida se ha visto obligado a sustituir el espectáculo de danza-teatro “Medea2”, que iba a inaugurar la 56 edición. En su lugar, los próximos días 16 y 17 de julio se ofrecerá el espectáculo de danza “Lluvia” de Eva Yerbabuena.
El Festival de Mérida quiere poner de relieve que las causa de este cambio son absolutamente ajenas a este Festival e imputables exclusivamente a la distribuidora del espectáculo “Medea 2”.

Las personas que hayan adquirido entradas podrán solicitar la devolución del importe en las taquillas situadas en la plaza Margarita Xirgu de Mérida, en horario de 10 a 14 horas y de 19 a 22 horas hasta el día del espectáculo. Además también podrán solicitar la devolución por correo electrónico enviando un mensaje a diana@festivaldemerida.es, poniendo en el asunto “Devolución de Entrada” y adjuntando una copia de la  misma.

Este espectáculo es, en definitiva, un homenaje a la melancolía y el desamor, al estar vivo, al sin fin de la vida. Para ello nada mejor que la voz interior de una guitarra, a solas, con un tema musical que es planteamiento, nudo y desenlace. Además, al baile se le unirán tres voces, traídas de la mano de Enrique el extremeño, Pepe de Pura y Jeromo Segura, haciendo una fusión única de flamenco y danza, de la explosión de sentimientos que transmite la artista con cada movimiento. Con el fondo de los guitarristas Paco Jarana y Manuel de la Luz, Eva Yerbabuena impone su cuerpo como herramienta principal para la expresión de sus sentimientos, de su Yo interno, de todo su ser. “Quiero explorar mis inicios, incomodando quizá un poco (porque es muy fácil definir a la persona que tienes enfrente y no eres tú) a todos aquellos que creen conocerme” confiesa la artista.
La idea principal así como la coreografía y el baile pertenecen a la artista, que desde 1998 dirige su propia compañía, Eva Yerbabuena Ballet Danza. Sus inicios están marcados por la experiencia de grandes maestros como Enrique “El Canastero”, Angustillas “La Mona”, Mariquilla y Mario Maya.

 La Bailaora, de cierta formación autodidacta, comienza a desarrollar su faceta de coreógrafa desde muy joven componiendo espectáculos como Eva (1998), 5 Mujeres 5 (2000), La Voz del Silencio (2002), A Cuatro Voces (2004), El Huso de la Memoria (2006) y Santo y Seña  en 2007.
Artistas de la talla de Pina Bausch y Carolyn Carlson admiran su trabajo y demandan su colaboración. En el caso de Pina Bausch, Eva participa desde 2001 en los festivales que la coreógrafa alemana organiza en Wuppertal, sede de su compañía, al lado de figuras como Sylvie Guillem, Ana Laguna, Marie Claude Pietragalla, Mikhail Baryshnikov. Carolyn Carlson cuenta con Eva para la creación de una coreografía en la Bienal de Venecia de 1999.

En la mañana del lunes 12 de julio de 2010, la Oficina del Festival de Mérida ha recibido un comunicado de la empresa “Tribeka World”, distribuidora de “Medea2” en España, donde su representante Alejandro Collado informaba de la imposibilidad de ofrecer el espectáculo en Mérida.

El Festival de Mérida quiere poner de relieve que las causa de este cambio son absolutamente ajenas a este Festival e imputables exclusivamente a la distribuidora del espectáculo “Medea 2”. Las personas que hayan adquirido entradas podrán solicitar la devolución del importe en las taquillas situadas en la plaza Margarita Xirgu de Mérida, en horario de 10 a 14 horas y de 19 a 22 horas hasta el día del espectáculo. Además también podrán solicitar la devolución por correo electrónico enviando un mensaje a diana@festivaldemerida.es, poniendo en el asunto “Devolución de Entrada” y adjuntando una copia de la  misma.

“LLUVIA” DE EVA YERBABUENA

Ante esta situación, el Festival de Mérida ha programado para los días 16 y 17 de julio el espectáculo “Lluvia” de Eva Yerbabuena. En este espectáculo, la bailaora granadina marca un recorrido por los sentimientos y la intuición con el que la artista bucea en su alma. Esta última propuesta de la flamenca más contemporánea de la escena, ha obtenido dos galardones en la última edición de los Premios Max: al mejor espectáculo danza y a la  mejor intérprete femenina de danza.

En Lluvia, según afirma la artista, “todo es nuevo, tanto en el aspecto coreográfico- no hay ningún baile que ya se haya visto- como en el musical”. El espectáculo “es un homenaje a la melancolía y al desamor, al estar vivo y  al sin fin de la vida. Y para ello nada mejor que la voz interior de la guitarra a solas”, añade Eva.

Con una energía vital y una pasión por el teatro poco comunes, su carrera profesional comenzó en el año 1973 donde trabajó codo con codo junto a Isidre Prunes, hasta el año 1995.

Como estenógrafa y diseñadora de obras teatrales destacan sus primeros trabajos como Las Troyanas ó La milagrosa vida del padre Vicens. Poco después se sumerge en tragedias como “Hamlet o Marat Sade”.

Alrededor de mediados de los años 80, comienza a compaginar televisión (participando en varios programas de TV3) con el teatro, donde trabajó en la obra “Ella” con la directora Carme Portaceli (participante en el 56 Festival de Mérida con la obra Prometeo).

En los últimos años de los 80 y durante toda la década de los 90  realizó grandes trabajos y obtuvo grandes premios entre los que destacan la Clausura de los Juegos Olímpicos de Seúl de 1988 o el Premio Goya al mejor diseño de vestuario por la película “El niño de la Luna”.

En 1997, recibió el Premio “Los Mejores” de los Espacios Escénicos Municipales de Tarragona a la mejor escenografía por El Auca del señor Esteve, al que le siguieron los premios Josep Caudí del año 2001 y 2004, a la mejor escenografía por Solness, el constructor y  Noche de Reyes sin Shakespeare de Adolfo Marsillach, respectivamente.

En el año 2004, vuelve a trabajar en equipo con su compañero Isidre Prunes y con la compañía Dagoll Dagom, con los cuales deciden volver a realizar el musical Mar y Cielo, estrenado en los años 80. Con millones de espectadores y miles de funciones tras de sí, vuelve a cosechar grandes llenos y éxitos, lo que les valdrá el Premio Max a la mejor escenografía.

Montse Amenós ha trabajado también para el Centro Dramático Nacional y el Teatro Nacional de Cataluña. En la actualidad esta inmersa en obras como Dictadura/Transición/Democracia o Iliada que será representada el 20 y el 21 de Julio en el 56 Festival de Mérida.

Más de 25 años de trayectoria profesional, diversas obras de diferentes temáticas como Las Troyanas, Mar y Cielo, 23 centímetros, o Dictadura/Transición/Democracia ¿Qué reto profesional le supone otro clásico como Iliada?

Es una especie de reencuentro con el principio de mí que hacer profesional, ya que mi primera obra fue un clásico “Las troyanas”.

Con Q-Arts, la misma compañía de “Iliada”, he realizado “Las Suplicantes” y “Electra” por tanto ha sido un recorrido, una línea de desarrollo muy interesante dentro de este genero.

¿Qué metáfora o mensaje se intenta transmitir en esta escenografía?

La escenografía esta pensada para un teatro atípico, el recinto es una antigua biblioteca que no tiene escenario ni grada, donde los espectadores están dentro del propio espacio escénico.  Por tanto, será diferente a la configuración que podremos ver en Mérida.

La intención es que todos los espectadores se integren en la búsqueda que hacen las mujeres dentro de un espacio lo mas parecido a un desierto, similar a lo que podemos encontrar tras una guerra o una devastación.

Vuelve a Mérida, después de 24 años ¿Qué sensaciones le transmite este lugar?

A nivel técnico de la obra será una novedad, ya que aunque las paredes de las bibliotecas son reales e históricas, representar en el Teatro Romano Mérida con mucha mas historia detrás, creo que va a ser muy positivo para la percepción del espacio.

A nivel personal, me hace mucha ilusión volver al teatro ya que estuve en el año 86 con una Antígona de Joan Ollé, representada por Silvia Munt pero que se realizo en el Anfiteatro. Hubo un gran trabajo en el montaje, por ello,  pude disfrutar muy poco de este magnifico entorno. Espero hacerlo este año, me apetece mucho ya que asistiré personalmente a ver la representación.

¿Por qué una mujer en el papel de Prometeo?

Para mí, la respuesta adecuada es: ¿Y por qué no? La mitología siempre ha sido la manera de explicar el universo, el mundo de los seres humanos. Hasta hace relativamente poco esto ha sido un mundo de hombres, hecho por hombres y la mitología también sería un poco, como continuidad del patriarcado. Pero el mito, es un personaje que se rebela contra el poder, y no tiene porqué tener sexo. Hoy en día, es un mundo tanto de hombres como de mujeres, y en este caso, el mito es una mujer.

¿Contra qué lucha Prometeo en la actualidad?

Es más sutil, en el caso del Prometeo nuestro hablamos de la influencia de Prometeo en los seres humanos, y en el mundo de la humanidad, y no tanto de su lucha. Es un personaje que lucha contra el poder. Que se enfrenta, al que está arriba, que en este caso es Zeus, y que lo paga caro y por lo tanto es un rebelde que es duramente castigado. Castigado al silencio, a la marginación. Hoy en día, existe una escala de valores que se va cayendo. Esto es lo que yo creo que hay que tener en cuenta. La ideología va mucho más allá, con una postura personal ante las cosas. Yo creo que esa sería la lucha, por unos valores, para que el ser humano pueda tener algo diferente de lo que sería una bestia.

¿Qué castigo se le impondría al nuevo Prometeo?

No se le ata a una roca, pero si simbólicamente. Se le silencia, se le descalifica. Muchas veces desde la prensa, ese cuarto poder. Yo creo que Prometeo somos todos y también la lucha sobre una cosa establecida. En el mundo nuestro, parte de la socialdemocracia podía haber sido acallada o simplemente cuando se hace una serie de trabajos importantes, reales, luego lo que sale en la prensa son las pequeñas estupideces o las pequeñas anécdotas que sirven para que los otros chillen, insulten… es decir, hacerte desaparecer. En la esencia del Prometeo, lo que hay es pura anulación. Porque si durante dos mil años, estás marginado, cuando sales estás muerto. No te queda nada.  Hay un monólogo  de una obra que se llama Cemento, y que he añadido al final, que explica muy bien esta idea: Prometeo, tenía las cadenas rotas, podría haberse ido. Pero estaba atado, no sabe donde puede ir, qué hacer… Para él solo existe la protesta. En esa marginación te dan un papel que no molesta en el mundo y que no quita el poder de donde está.

¿Evolución de la obra tras el Grec? (Ventas, criticas…)

La venta ha ido muy bien. Estamos contentos con el trabajo. Las previas fueron maravillosas. Respecto a la aceptación del público, el teatro estuvo llenísimo, al ser la inauguración del Grec. Tuvimos que suspender un día que estaba el teatro lleno, pero comenzó a llover 15 minutos antes de la actuación. La gente incluso con paraguas quería ver la función, pero era imposible. Hicimos al día siguiente la tercera función y la gente terminó con Bravos incluidos. Las críticas no han sido especialmente buenas esta vez. Los comentarios han sido algunos negativos, algunos bien. En los negativos, yo que soy una persona reflexiva y quiero saber porqué  una cosa no ha funcionado. Sobre estos comentarios negativos no he podido encontrar ningún argumento. Me toca reflexionar sola, me hubiese gustado que en lugar de insultar, hubiesen hecho una crítica un poco más constructiva. Esto guarda mucha relación con los valores que hablábamos antes, esos valores antiprometeicos: Yo creo que en este país, el insulto es un retraso. Hay que aprender a argumentar. Se hace callar a la gente a golpes, a silencio, con temor… Entonces ese sistema, me parece que no es positivo para nada. Es un retraso.

De todas formas, la obra siguió la tradición del Festival Grec en la que la que las inauguraciones son profundamente insultantes. Los pobres directores del Grec siempre asumen esa gran acogida en la ciudad. Por suerte este año, no hubo pitadas. Cuando salieron mis actores y no hubo pitadas, me alegré profundamente.

¿Qué tipo de adaptación hace de la obra? (Conservadora, sedecanta por el vanguardismo, es innovadora pero respeta al clásico…)

No sabría decidirlo. Hay un texto de Esquilo con la versión de Heine Müller que yo respeto absolutamente. No deja de ser erótico-festiva y he recibido muchas críticas por eso.

¿Qué supone para ti actuar en el Festival de Mérida?

Es la primera vez que actúo aquí… Es un festival con una larga tradición y un teatro con 2032 años, es tremendo. Además Paco es una persona extraordinaria, un gran director y un hombre de una gran cultura.

“El teatro es el último refugio cultural que nos queda, donde podemos crear nuestro propio discurso sin tener que preguntar a nadie si se puede”, defiende el director franco-argentino Jorge Lavelli que será el encargado de su adaptación junto con José Ramón Fernández en el Teatro Romano de Mérida. Jorge Lavelli, natural de Buenos Aires pero naturalizado francés es director de teatro y ópera. La larga trayectoria lo avala en la dirección de teatros en Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Director fundador del Théâtre National la Colline en París. En 2004 recibió el 33º premio Placer del Teatro, administrado por la sociedad de autores y compositores dramáticos de Francia. Jorge Lavelli  tiene en su haber más de un centenar de montajes entre teatro y ópera. Arrabal, Berkoff, Taberi, Tony Kushner o Brian Fiel son algunos de los autores que desfilan por su currículum.

En esta ocasión la obra está protagonizada por Juan Luis Galiardo y producida por el Centro Dramático Nacional, Galiardo Producciones, Centro Andaluz de Teatro, Teatro Calderón, la Comunidad de Madrid y la Junta de Extremadura.

Hasta el momento el actor, ha participado en más de 150 películas, y ha trabajado con los mejores directores tanto de cine, como de televisión y por supuesto, del teatro. Entre ellos destacan Carlos Saura, Berlanga, Antonio Mercero, Antonio Gala e incluso Charlton Heston. En 2000 recibió un premio Goya como mejor interpretación en el papel protagonista en la película  Adiós con el corazón.

Galiardo expresó su preocupación en atraer los jóvenes al teatro. “No quiero que mis nietos digan que es algo aburrido”, declaró, añadiendo que la juventud “debería dejar las máquinas y volver a la humanidad del teatro”. “Nosotros no tenemos la misma pureza que ellos, pero queremos acercar nuestra decrepitud a la juventud limpia”, bromeó este actor de 70 años.

Galiardo hará campañas en los colegios de Mérida, donde el montaje formó parte de un proyecto cultural y didáctico que acercó el Teatro Barroco a alumnos entre 12 y 18 años. “La comedia puede servir para que los jóvenes miren sus vidas con cierta distancia”, subrayó José Ramón Fernández.

Edipo Rey esta considerada como la mejor tragedia del Teatro Clásico Griego. Su estructura y los estudios realizados por Aristóteles sobre esta obra la han convertido en el paradigma de la tragedia griega del s.V a.C. Edipo no sólo es un personaje extraído por Sófocles de la mitología, sino que representa la lucha del ser humano por encontrar su propia identidad y conservar la libertad de decidir, aunque estas decisiones sean erróneas y lo conduzcan a su propia destrucción. En palabras de Manuel Fernández Galiano, “Edipo es el hijo de la Fortuna, el hombre que se ha hecho a sí mismo y en el que la libertad lucha bravamente con el hado”.
Para encontrarse a sí mismo, Edipo deberá desprenderse de las ataduras que lo mantienen sujeto a un mundo acomodado y tranquilo que él supone lejos del peligroso vaticinio que se cierne sobre su destino.

Pero la verdadera tragedia de Edipo no comienza con la peste que azota a Tebas, su tragedia empieza en el momento mismo en el que Layo, su padre, seduce a Crísipo, hijo de Pélope, atrayendo sobre la estirpe de los labdácidas la maldición del rey micénico. Ya desde antes de su nacimiento, la vida de Edipo está marcada por la fatalidad.
Este Edipo, hijo de Layo “el zurdo” y nieto de Lábdaco “el cojo”, sale a la búsqueda de su origen encontrándose, cara a cara con un destino al que creía haber burlado. Principio y fin se mezclan alterando el orden lógico de las cosas, dando así sentido a las palabras de Tiresias: “El día de hoy te hará nacer y te matará”. La muerte de Tebas (la peste), es el punto de partida para la búsqueda de la verdad. De la sangre del vencedor de la Esfinge, celebrado como antiguo salvador de la ciudad, surgirá el nuevo orden. Cómo Sófocles, también Edipo reivindica la lealtad y la honestidad, reaccionando violentamente contra la injusticia representada por la ambición de Creonte y la manipulación religiosa de los Oráculos. Es bien sabido que Sófocles se caracterizó por su discreción y por no intervenir abiertamente en la vida política de su ciudad, pero en esta tragedia parece sentirse libre como para exponer abiertamente lo que piensa sobre los distintos aspectos políticos y religiosos de la sociedad ateniense, y percibirlo discretamente oculto tras la máscara de su personaje.

El director general de Promoción Cultural de la Junta de Extremadura, Francisco Javier Alonso de la Torre, y el presidente de Iberdown de Extremadura, Bonifacio Nogues Chávez, han informado del acuerdo suscrito entre ambas partes cuyo objetivo es la colaboración entre ambas instituciones con el fin de crear empleo para personas con Down, por medio de la celebración de contratos de obra y servicios, y cuya duración comprende desde el día 8 de julio al día 29 de agosto de 2010, de 20 horas semanales de duración de la jornada laboral.

El presidente de Iberdown agradeció en varias ocasiones al Festival de Mérida, la apuesta por jóvenes sindrome de down y la normalización que supone la inclusión de éstos en la vida laboral, más aún en la situación de paro en la que nos encontramos. La experiencia fue “absolutamente positiva” y “absolutamente beneficiosa” para el festival, ya que el trabajo que realizaron las cuatro personas con síndrome de Down fue “efectivo al cien por cien”, ha subrayado el director general.
Ha indicado que trabajarán en el festival las mismas personas que lo hicieron en el anterior convenio, con lo que “ya tienen un festival de antigüedad”. Por ello, la asociación confía “plenamente” en que “volverán a dar la talla” este año, con una labor que será “más satisfactoria” y que desarrollarán durante dos horas en los días de representaciones.

El Festival de Mérida, como entidad pública, firma este convenio consciente de la necesidad de potenciar el bienestar social de los ciudadanos y ciudadanas, y considerando que su actuación no se agota en el cumplimiento de los fines que le son propios y específicos, fomenta las relaciones con Instituciones, Entidades, Asociaciones y Organismos que sirven a las finalidades expresadas, dentro del marco de su política de Responsabilidad Social Corporativa o Empresarial.

Aristófanes nos muestra en esta obra cuán poderosas pueden ser las armas de las mujeres para conseguir lo que pretenden, utilizando para ello el humor y una crítica mordaz contra la estupidez de los hombres y de las guerras.

Jèrôme Savary, hombre con una larga trayectoria teatral y creador del famoso Magic Circus y director del teatro de Chaillot y de la Ópera cómica de Paris durante muchos años, es el encargado de poner esta obra en escena con la intención de divertir a los espectadores y a la vez de hacerlos reflexionar sobre lo absurdo y lo indecente de la guerra. Savary se salta todos los prejuicios burgueses ofreciendo a los actores masculinos los papeles femeninos y a los transexuales los roles masculinos. Un reparto que podríamos calificar de trans-género, y una opción artística sin miedo alguno a que esta producción pueda estar rodeada de muchísimo morbo y de posible polémica. Savary considera que en el teatro, y concretamente en estos textos griegos, hay que arriesgarse hasta llegar al límite tanto en la concepción ideológica como estética, sosteniendo que hasta ahora, los montajes que se han realizada sobre este título, se han hecho desde la vulgaridad y no desde la poética del texto. “Aquí no habrá sexo, ni desnudos integrales ni alusiones a las masturbaciones; eso sí, muchos pechos “

Bajo esta premisa aceptaron sus papeles Carla Antonelli y Paco León. La actriz es conocida por su lucha incansable en pro de los derechos de los transexuales, además de haber intervenido en series de televisión como El Comisario, Periodistas o el Síndrome de Ulises. “He descubierto un mundo de muchos prejuicios y de muy poco respeto; la gente piensa que los transexuales sólo se dedican a la prostitución” confiesa la actriz y se pregunta por qué se apoya tanto a las iniciativas homosexuales y hay tanto desprecio a los “trans”, a los que les cuesta la vida ser aceptados como tales.

El protagonista de la función es Paco León, uno de los actores más populares de este país por su interpretación del personaje de Luisma en la serie Aída, donde continúa, pero confiesa que gracias el descanso de la serie entre temporadas se puede permitir dedicarse intensamente a interpretar el personaje de Lisístrata para el Festival de Mérida. Este sevillano ha rodado más de diez películas entre las que destacan Los managers, Mi dieta mediterránea y Reinas. Su trayectoria teatral hasta ahora han sido dos montajes de mucho éxito: Wanted y ¿Estás ahí? Su debut en la pequeña pantalla fue en Homo zapping. Este joven actor se ganó el año pasado, más aún, la admiración del público cuando se pronunció, junto a sus compañeros actores, por la dignidad de la víctimas de la represión franquista. Sin duda alguna, se trata de un espíritu luchador.

Lísístrata estará en cartel en la 56 Edición del Festival de Mérida entre el 29 de Junio al 1 de Agosto y del 3 al 8 de Agosto. Se trata de una Producción del Centro de Producción del Festival de Mérida con diez representaciones en exclusiva en el Teatro Romano.

“Cuando comencé en el Festival, tuve un sueño: llevar al Teatro Romano de Merida un montaje de Edipo Rey, de Sófocles. Sueño que ví cumplido en la 54 edición. En la 55, volvía  lograrlo con Medea de Eurípides”

En esta 56 edición la producción estrella será Lisistrata.  Con la dirección de Savary, el elenco de actores que la representarán está formado entre otros por Paco León, Carla Antonelli o Joan Crosas. Además de un magnifico equipo artístico-técnico de primer nivel que darán una mayor, si cabe, calidad a la obra” Además su director prometió que para la próxima edición será otro clásico el que acapare toda su atención, Antígona de Sófocles.

A continuación, Carla Antonelli, una de las actrices de la obra,          concedió en exclusiva una entrevista. En ella dio las primeras impresiones en su papel de Corifea.

La actriz, es conocida por ser la primera transexual de la Comunidad de Madrid que solicitó que su verdadera identidad figurase en los documentos oficiales tras la aprobación de la Ley de Identidad de Género en España. Además ha intervenido en numerosas series españolas como El síndrome de Ulises, El Comisario ó Periodistas.

¿Qué une a Carla Antonelli con Corifea?

“Mi faceta de activista ha ocultado un poco mi carrera artística, pero yo tengo una buena carrera como actriz”, recuerda Antonelli.

¿Qué es lo que te gusta de Lisístrata?

“Muchas cosas que están en su planteamiento”, explica Carla Antonelli. “Su posición contra las guerras, su defensa de la dignidad de la mujer… Además la obra recoge muy bien los principios básicos del feminismo y demuestra que igual que hoy, el sexo es uno de los ejes que gobiernan el mundo” Confesó Antonelli.

Fuente: El Mundo.



El orgullo, la venganza y fundamentalmente la guerra, serán los temas estrellas de la representación. Pero este año se hará de una manera diferente y muy especial. El encargado de su adaptación literaria es Alessandro Baricco. En la reescritura de Baricco, es impresionante la belleza que encontramos en cada una de las narraciones de la barbarie. La violencia es muy explícita, pero está tratada desde un punto de vista fuerte y muy guerrero.

Una de las obras más famosas del escritor es Seda. En ella, un joven vendedor de gusanos de seda realiza un viaje que cambiará su vida. En su viaje a Japón para la venta de una especie fuera de lo común, su protagonista, Hervé Joncour, conoce a una joven japonesa. Esta relación marcará el resto de sus días. “Seda” ha sido adaptada al cine, dirigida por François Girard y protagonizada por Keira Knightley (Helene Joncour), Michael Pitt (Herve Joncour), Sei Ashina (La Señora), Alfred Molina (Baldabiou) y Kôji Yakusho entre otros.

De ahí su gran prestigio internacional en la extraordinaria adaptación que hace del poema épico de Homero.

Pero en la representación en el Teatro de Mérida será Tom Bentley-Fisher  quien se encargue de dirección. Es director, profesor y dramaturgo. En los 30 años de carrera ha sido director artístico de tres teatros canadienses y ha ganado reputación nacional en el desarrollo y dirección de teatro canadiense contemporáneo. La obra está protagonizada por cinco mujeres, “un reto”, según el director, teniendo en cuenta que se trata de “una historia escrita para hombres que habla de hombres, muy violenta y masculina”.

Las protagonistas, Mercè Anglès, Mercè Arànega, Anna Güell, Àngels Sánchez y Muguet Franc, “emergen de la arena del desierto y descubren la Ilíada y la violencia que hay dentro”, ha asegurado Bentley-Fisher, que ha hecho una obra “atemporal” para que los espectadores se enfrenten a la percepción que tienen sobre la guerra.

En este montaje los dioses han sido eliminados “para que sean los seres humanos los que se enfrenten a sus propias decisiones”, en un intento que las mujeres no se presenten como víctimas, sino como “personas que buscan la verdad”, ha explicado el director. También ha destacado la “acrobacia emocional de las actrices”, y ha confiado en que sirva para interrogar a los espectadores: “¿Estamos despiertos? ¿Tenemos responsabilidades sobre lo que pasa a nuestro alrededor?”, se ha preguntado. “El gran reto es encontrar la humanidad de esta historia”, ha sentenciado Bentley-Fisher.

Puedes conseguir las entradas para el festival por dos vías:

1. Comprarla por la página web www.entradas.com

2. Comprarlas en las taquillas situadas en la Plaza Margarita Xirgu (Plaza del teatro)  o bien hacerlo vía telefónica en los teléfonos  924 004 930 // 924 009 486 // 924 009 482

El Grec de Barcelona estaba lleno a rebosar en el estreno del Prometeo de Esquilo/Müller/Portaceli.  Un estreno de apertura del Festival Grec-10 donde estuvieron presentes las máximas autoridades, toda la profesión teatral de Barcelona, la crítica especializada y espectadores ávidos de contemplar un montaje cuyo resultado fue excepcional a todas luces. La presencia del director del Festival de Mérida vino a confirmar el gran interés de los creadores catalanes por estar presentes en las próximas ediciones en el Teatro Romano. Joan Font, Álex Rigola, Ferrán Madico, Ana Rosa Cisquella, Pep Cruz, así como la generosa oferta de Ricardo Szwarcer, el director del Grec, de posibilitar en un futuro inmediato colaboraciones más concretas en sistemas de coproducción entre los dos Festivales.

Foto: La Razón.

Cuando Prometeo robó al fuego a Zeus, no supo o no previó la cola que traería tal asunto, pues durante estos últimos veinte siglos, este héroe griego por excelencia, se convertiría en el símbolo universal de la relación entre los mortales y el poder, es decir, entre la autoridad y la libertad como conflicto primigenio del mundo y de las cosas. Un principio moral heraclitiano que el gran Esquilo supo aplicar trágicamente. Su manifiesta rebeldía ha sido el faro que ha iluminado el trayecto del hombre en su constante lucha por reconocerse como tal a pesar del injusto castigo recibido. Así Müller, uno de los grandes padres del teatro contemporáneo, no pudo resistir la tentación de colocarlo en una atmósfera de desolada hecatombe; su aportación suponía no una revisión del texto esquíleo sino una puesta a punto para reflexionar sobre una sociedad que ha dejado de enfrentarse al poder o a sus dioses por una miserable conveniencia. Portaceli que es una directora de fuste, de gran fuste ideológico y estético se ha arriesgado con toda la libertad que ofrece la creación, a montar un espectáculo demoledor e intenso, poético y clarificador. Un Prometeo enemigo público del industrialismo feroz, profeta del desastre, que desajusta la razón primordial del hombre: la justicia. Hay varios momentos sobrecogedores: cuando el Corifeo nos informa, en el arranque del espectáculo, de la espúrea casta de los dioses, o cuando al final, Prometeo, en una silla de ruedas, vencido y doliente, se despide de los mortales, él que quiso y no pudo salvarlos. Un héroe a la hechura de los sabios griegos.

Foto: Massimo Minocri

Foto: www.teatroespanol.es

Esta Electra, estrenada en 1901 en el mismo Teatro Español, supuso un revulsivo en los ambientes políticos de entonces, pues Galdós creó un texto eminentemente politizado. Electra es la metáfora dramática de una España baqueteada y utilizada por los partidos liberales y conservadores y empujada finalmente a su reclusión en un convento por el intolerante fanatismo religioso del nacionalcatolicismo. El tono folletinesco y melodramático de la historia permite a Galdós revelar de una forma irónica los entresijos e intereses de una sociedad decimonónica y decadente que estaba dando ya sus últimos coletazos. Con un estilo naturalista de compleja pero acertada resolución, el autor canario logra emocionar a un público contemporáneo por haber utilizado una clave universal y eterna como es el destino a que está sujeto el ser humano.  Esta clave es la conductora de todo el espectáculo, y por lo tanto, la propiciadora de una lectura que nos cabe y se encuadra a la perfección en el apartado de Otra mirada en el Festival de Mérida.

Foto: www.teatroespanol.es

Si las Electras de Esquilo de Sófocles o de Eurípides nos proponen unas a la incitación de la venganza de sangre y otras a la aplicación de una justicia democrática, esta de Don Benito, se nos muestra como un negativo fotográfico de la heroína griega, mostrando su más íntima fragilidad humana, su afán incontestable de libertad y su acendrada exigencia del individualismo.

Foto: www.teatroespanol.es

El adaptador, Francisco Nieva, ha logrado aclarar y a la vez desentrañar la palabra de un clásico, reconduciendo de una forma admirable sus postulados literarios y dramáticos. En cuanto a su puesta en escena, la mano maestra de Ferran Madico ha conseguido que el género melodramático sea una expresión artística más de categoría escénica. Sin embargo, su apuesta estética ha llegado más lejos al proponer sobre el escenario una revisión épica del modelo actoral con un tratamiento absolutamente moderno. La sorprendente y teatral aparición del fantasma de la madre ¿Clitenmestra? resolviendo la tragedia, puede considerarse un hallazgo que sobrevuela eficazmente por encima del texto.

Foto: www.teatroespanol.es

El Festival de Mérida acoge esta Electra sujeta al destino del poder de los hombres como una heroína más del panteón grecolatino.

Foto: www.teatroespanol.es

foto: Ceferino Lopez.

El Festival de Merida recibió en la tarde de ayer al equipo artístico y técnico de “Caligula”, para detallar el montaje de la obra que se representará en el Teatro Romano del 11 al 15 de Agosto del 2010, en su 56 Edición
Para intentar acercar un poco más el espectáculo al espectador, el equipo del Festival de Merida habló con su director, Santiago Sanchez y con Dino Ibáñez, el escenógrafo.

¿Qué impresión ha tenido del Teatro Romano?

La primera impresión que habría que resaltar es que se trata de un lugar especial, donde durante siglos se ha representado el teatro a la manera trágica, que es aquella que confronta al espectador con el actor.
Otra impresión es la cuestión de la proximidad, porque aún teniendo un aforo superior a los actuales teatros, a mi modo de ver más impersonales, aquí en el Teatro Romano con tres mil personas, tienes una sensación de cercanía respecto al actor y del actor hacia el publico, cosa que me parece muy importante.

¿Qué le supone representar en el Festival de Mérida?

Representar Calígula en este Festival, tiene una doble lectura para mí. Primero, continuar una tradición que tiene la obra con el Festival de Mérida, donde ha sido representada por grandes directores y actores. Estar a su altura, es un gran reto.
Por otro lado, intentar que se siga representando a lo largo de los años y así formar parte de esa tradición que es una de las cosas mas bonitas que se puede sentir.

Foto: Ceferino Lopez.

¿Por qué hay que ver esta obra?

Yo creo que hay que ver este Calígula de Albert Camus porque nos permite un acercamiento a uno de los personajes históricos más atractivos, enigmáticos y tiránicos de los que más se ha escrito.
A ello, se une la fantástica literatura del autor francés donde utiliza un personaje histórico para expresar una metáfora de nosotros mismos. Habla más bien de cómo podemos llegar a ser pequeños calígulas en nuestro comportamiento diario, o bien detectar que alrededor nuestro, hay también pequeños calígulas.

Creo que va a ser uno de los grandes espectáculos que formarán parte de la historia del teatro del s.XX, y hacerlo en un marco incomparable como este Teatro romano, es una satisfacción.

Para usted el texto y el actor debe ser un “todo” ¿Cómo influirá este magnifico escenario en su Calígula?

Me parece que este escenario a pesar de su majestuosidad, ofrece una sencillez que permite poner en contacto al actor con el espectador, por tanto, el texto llegará de una forma limpia, directa y emocional.

Para ello, hay que ser muy inteligente y lograr que la arquitectura potencie el trabajo del actor y multiplique el efecto del texto.

Foto: Ceferino Lopez.

Calígula ha cosechado muy buenas críticas ¿Contento por el resultado?

Muy contento; hay que decir que la obra llega al Festival de Mérida después de cien representaciones en los principales teatros del país.
El resultado es muy positivo, no tanto por las críticas sino por los muchos espectadores que la han visto; alrededor de unos cien mil. Eso para mí es lo más importante.

¿Es un reto para ustedes montar esta pieza en el Teatro Romano, muy diferente a los anteriores teatros donde se ha representado?

En palabras del escenógrafo Dino Ibáñez:
Cuando pensamos en el espectáculo, nuestro sueño era montarlo en un lugar así.
Pero cuando nos encontrábamos en otros teatros, nos imaginamos que estábamos en un lugar parecido a este. Así que, una vez en este lugar, todo aquello no nos sirve porque es minúsculo con respecto a este gran monumento que es el Teatro Romano de Mérida.
Por ello, no utilizaremos nuestra propia escenografía y aprovecharemos este fantástico lugar.

El Festival de Mérida ha presentado esta mañana en la región portuguesa del Alentejo la programación de la 56 edición, debido a las conexiones históricas y culturales de este entorno con Mérida. Al acto, que ha tenido lugar en el Diario do Sul de Évora, han asistido el director general de Promoción Cultural, Javier Alonso de la Torre; y el director del certamen, Francisco Suárez.

El director general de Promoción Cultural ha hecho referencia a la importancia de compartir actividades culturales en el papel de cohesión de la eurorregión. Alonso de la Torre ha detallado la programación de esta cita cultural, que se desarrollará en el Teatro Romano de Mérida del 16 de julio al 29 de agosto. Dividida en dos bloques, la programación cuenta con una selección de textos de algunos de los mejores autores clásicos como Eurípides, Homero, Esquilo y Aristófanes. Además, la segunda parte del Festival ofrecerá “Otra Mirada” sobre clásicos grecolatinos, con versiones de Camus, Pérez Galdós y Molière.

Durante la presentación, el director del Festival de Mérida, Francisco Suárez, ha recordado las conexiones que unen a Évora y Mérida. En este sentido, ha señalado que la única manera de conectar los pueblos es a través de la Cultura y ha recordado el carácter internacional del Festival. Suárez ha invitado a los espectadores portugueses a que visiten el Festival de Mérida y se ha mostrado confiado en que el público estará presente en las representaciones “porque el teatro es uno de los consuelos de los hombres”.

Al acto han asistido el director general de Promoción Cultural, Javier Alonso de la Torre; el alcalde de Mérida, Ángel Calle; y el director del certamen, Francisco Suárez.

Alonso de la Torre ha destacado la calidad de esta cita cultural y ha explicado cómo las representaciones teatrales se complementarán con una serie de conciertos que se desarrollarán el primer fin de semana de julio.

El director del Festival de Mérida, Francisco Suárez, ha señalado que la de este año es una programación “completa, de identidad, y con los grandes autores” y ha confiado en que este año los espectadores disfruten de un festival “que es de ellos”.

El alcalde de Mérida, Ángel Calle, ha mostrado su satisfacción porque “en la época de dificultades económicas que vivimos, tener un festival que dura un mes y medio, con una calidad digna y con las obras que se presentan es bueno para Mérida y para Extremadura.

El Festival se divide en dos bloques, el primero de los cuales se centrará en la “Esencia Grecolatina” y estará basado en textos de Eurípides, Homero, Esquilo y Aristófanes. La segunda parte del Festival ofrecerá “Otra Mirada” sobre clásicos grecolatinos, con versiones de Camus, Pérez Galdós y Molière.

Esencia Grecolatina
El Festival levantará el telón con el espectáculo de danza flamenca Lluvia protagonizada por la bailaora y coreógrafa Eva Yerbabuena (16 y 17 de julio).

La “Ilíada” de Homero, adaptada por Alessandro Baricco, llegará a la escena del Teatro Romano de Mérida los días 20 y 21 de julio. Tom Bentley-Fisher dirige esta coproducción de Q-ars-Teatre y el Festival Grec.

Una gran dama de la escena, Carme Elías, regresa a Mérida para protagonizar “Prometeo” de Esquilo (23, 24 y 25 de julio). Carme Portaceli dirige esta producción del Centro Dramático Nacional, el Grec 2010 Festival de Barcelona y la Factoria Escénica Internacional.

El 29 de julio tendrá lugar un estreno mundial. Se trata de la apuesta teatral del Centro de Producción del Festival de Mérida, con Paco Léon a la cabeza de una veintena de actores que se pondrán bajo la dirección de Jerome Savary, uno de los grandes maestros del teatro mundial. La “Lisístrata” de Aristófanes, se representará del 29 de julio al 1 de agosto y del 3 al 8 de agosto.

Otra mirada
Bajo este epígrafe se incluyen tres miradas distintas de tres clásicos grecolatinos a cargo de tres formas diferentes de interpretar. La primera de las propuestas (del 11 al 15 de agosto) es la puesta en escena a cargo de L´Om e Imprebis de “Calígula” de Albert Camus, y que servirá como homenaje cuando se cumplen cincuenta años de su muerte.

Posteriormente “Electra” subirá al Teatro Romano de Mérida, del 19 al 22 de agosto. En esta ocasión será a través de la adaptación de Francisco Nieva a la versión de Benito Pérez Galdós. Quince actores, entre los que se encuentran Antonio Valero o Maru Valdivieso, pondrán en pie un clásico revisitado desde el realismo de principios del siglo XX.

Como broche de oro, el Festival apuesta por “El avaro” de Molière, una coproducción del Centro Dramático Nacional y Marca Extremadura dirigida por Jorge Lavelli e interpretada por Juan Luis Galiardo y que se pone en escena por primera vez en la historia del Festival emeritense. Podrá verse en el Teatro Romano de Mérida del 25 al 29 de agosto.

Otras actividades
El Teatro Romano de Mérida acoge además una serie de conciertos, como actividades culturales complementarias. Así, el 8 de julio la Orquesta de Extremadura, dirigida por Roque Baños ofrecerá el recital “Noche de cine”, interpretando algunas de sus partituras más conocidas como ‘Las trece rosas’, ‘Los crímenes de Oxfor’ o ‘Alatriste’.

El viernes 9 de julio el artista cubano Chucho Valdés actuará en Mérida, dentro de su gira internacional, en la que sólo ofrece tres conciertos en España. Otra gran dama de los escenarios, María Dolores Pradera, ofrecerá un recital en el monumental Teatro Romano de Mérida el 10 de julio.

El ciclo de conciertos finaliza el domingo 11 de julio con la actuación de la Orquesta de Extremadura y la Orquesta Joven de Extremadura, juntas en concierto, que invitan a disfrutar de los ritmos americanos en una noche de verano.

Por otra parte, el Teatro Romano de Regina, ubicado en Casas de Reina (Badajoz) también acogerá representaciones teatrales. El domingo 8 de agosto, la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga, participante en el Festival de Teatro Juvenil Grecolatino de Mérida, representará ‘Edipo’, de Sófocles.

Venta de entradas y descuentos
El Festival de Mérida ha previsto una serie de descuentos para que toda la sociedad tenga acceso a espectáculos de calidad. Así, los jubilados y discapacitados tendrán una rebaja del 20 por ciento; los jóvenes hasta 18 años y los estudiantes menores de 25 años disfrutarán de un descuento del 15 por ciento y los grupos de más de 25 personas obtendrán una reducción en el precio del 10 por ciento.

Las entradas pueden adquirirse en la página web del festival www.festivaldemerida.es o bien en los teléfonos de información y ventas: 924 004 930, 924 009 482 y 924 009 486 y en el teléfono de Televenta 902 222 484. Otro modo de conseguir localidades es a través de www.entradas.com; en los cajeros de Caja Madrid y en las sucursales de Caja Badajoz. Además, en Mérida pueden comprarse en las taquilla instalada en la Plaza Margarita Xirgu.

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